(Drawing by Nek)
Charo Foo Tai Wei
Charo Foo Tai Wei was trained in modern dance and traditional Chinese dance, and moved
to Quebec City in 2005, where she studied contemporary dance at the École de danse de
Québec. From 2007 to 2013, she acted, danced and choreographed in Robert Lepage’s production of Le Dragon bleu (Ex Machina). In 2015, she discovered butoh. Fascinated by
how the resonance of nerve cells could trigger organic movement that develops from within the body, she turned her research toward instinctive body work to develop her own
choreographic language. Her first work « The Golden Stick Ritual » was selected by CanAsianDance’s KickStart program and presented at Tangente (2021) in collaboration with Festival Accès Asie. https://vimeo.com/363714937. She’s currently working on a second solo piece, named Yearning, which explores the intricacies of a subterranean universe that navigates lanes of domestic abuse, gender violence and systemic racism
Charo Foo Tai Wei a suivi une formation en danse moderne et en danse traditionnelle chinoise, puis s’est installée à Québec en 2005, où elle a étudié la danse contemporaine à l’École de danse de Québec. De 2007 à 2013, elle a joué, dansé et chorégraphié dans la production de Robert Lepage intitulée Le Dragon bleu (Ex Machina). En 2015, elle a découvert le butô. Fascinée par la façon dont la résonance des cellules nerveuses peut déclencher des mouvements organiques qui se développent à partir de l’intérieur du corps, elle a orienté ses recherches vers le travail corporel instinctif afin de développer son propre langage chorégraphique. Sa première œuvre, « The Golden Stick Ritual », a été sélectionnée par le programme KickStart de CanAsian Dance et présentée à Tangente (2021) en collaboration avec le Festival Accès Asie. https://vimeo.com/363714937. Elle travaille actuellement sur une deuxième pièce solo, intitulée Yearning, qui explore les subtilités d’un univers souterrain qui navigue entre les voies de la violence domestique, de la violence sexiste et du racisme systémique.
Goldjian Charlo
[FR] Goldjian est un artiste, facilitateur psychodivers transdisciplinaire et chorégraphe, qui aime rendre visibles, lisibles et malléables les processus d’émergence de la connaissance. Goldjian chérit les pratiques relationnelles entre les humains, les écologies et les technologies. Leur travail crée des espaces intimes dédiés à l’apprentissage mutuel et au ralentissement des processus. Cofondateur-ice des collectifs Hacking with Care, FemHack, À Nos Prothèses et La Nef Vagale, Goldjian embrasse les arts médiatiques, l’art relationnel, la performance et la vidéodanse. Sa pratique s’articule souvent autour de la facilitation de pratiques collaboratives, collectives et réparatrices. Bon nombre de leurs racines et de leurs liens émotionnels se trouvent sur l’île de Tio’tia:ke, connue à l’époque coloniale sous le nom de Montréal. Goldjian nourrit et pratique la connexion, à soi-même, au temps et à l’espace, aux autres humains et aux non-humains, réfléchissant aux conditions de connexion, de soin et d’ancrage pour activer cette qualité de présence.
[EN] Goldjian is a queer, psychodiverse transdisciplinary artist, facilitator and choreographer, who loves to make visible, readable, and malleable the processes of knowledge emergence. Goldjian cherishes relational practices between humans, ecologies, and technologies. Their work creates intimate spaces dedicated to mutual learning and slowing down processes. Co-founder of the collectives À Nos Prothèses and La Nef Vagale, Goldjian embraces media arts, relational art, performance, and video dance. Their practice often revolves around facilitating collaborative, collective, and restorative practices. Many of their emotional roots and connections are located on the island of Tio’tia:ke, colonially known as Montreal. Goldjian nurtures and practices connection, to oneself, to time and space, to other humans and non-humans, reflecting on the conditions of connection, care, and anchoring to activate this quality of presence.
Hanna Sybille Muller
[FR] La chorégraphe Hanna Sybille Muller est connue pour sa capacité à construire des univers spécifiques à un site, en composant avec les contributions uniques des danseurs participants. Sybille s’intéresse aux pouvoirs étranges, magiques et ordinaires du langage et du corps. Elle s’interroge sur ce que signifie collaborer avec des humains et des non-humains, notamment dans sa plus récente collaboration avec Erin Robinsong : Polymorphic Microbe Bodies qui a été présenté pour la première fois en tant que film de danse somatique en 2021 à Tangente à Montréal.
[EN] The choreographer Hanna Sybille Muller is known for her capacity to build site-specific universes composing with the unique contributions of participating dancers. Sybille is interested in both language’s and the body’s strange, magic and ordinary potencies. She has been questioning what it means to collaborate with humans and non-humans, especially in her most recent collaboration with Erin Robinsong: Polymorphic Microbe Bodies which premiered as a somatic dance film in 2021 at Tangente in Montreal.
https://hannasybillemuller.com/
Karine Rathle
[FR]
Artiste, chorégraphe et interprète, Karine Rathle enseigne et effectue des recherches en danse et en science de la danse. Ses performances et ses œuvres chorégraphiques ont été présentées sur la scène internationale, notamment dans le cadre de projets en Argentine, en Australie, en Belgique, en Angleterre et en Allemagne. Karine a également participé à des activités d’enseignement et de recherche dans plusieurs pays, y compris dans son lieu de résidence actuel : Montréal, Québec, Canada. La nature pluridisciplinaire de sa pratique est inspirée de son expertise en somatique et de leur connaissance et expérience de la danse contemporaine, du tango argentin, de la danse moderne, du ballet, du contact improvisation et du théâtre.
Son œuvre d’interprète et de chorégraphe s’est produite sur les scènes internationales, notamment au sein de projets d’envergure dans des lieux tels que le Camden’s People’s Theatre (CPT), King’s Head, ]Performance Space[, Roundhouse (Londres, Royaume-Uni) ; Contemporary Art Centre (Tasmania, Australie) ; Gézu, Monument National, Club Lambi, (Montréal, Canada) ; OHM (Holand) et Italia Unida, Milonga del Indio, Villa Malcolm (Buenos Aires, Argentine). Karine poursuit son travail dans un esprit collaboratif, s’alimentant du désir de créer un langage pluridisciplinaire, personnel et authentique. Allant au-delà de la perception des limites physiques, son œuvre aspire à intégrer le mouvement, l’image et l’aspect théâtral autant dans la création que dans la performance. Le travail de création de Karine s’inspire du vécu humain et s’intéresse aux droits de la personne, à l’inclusion sociale et aux bienfaits que la création artistique offre aux personnes issues de communautés marginalisées.
[EN]
Karine Rathle is an artist, choreographer, performer, teacher, and researcher in dance and dance science. Their performances and choreographic works have been presented on the international stage, namely within projects in Argentina, Australia, Belgium, England and Germany. They have also been engaged in teaching and research in several countries, including their current location: Montreal, Quebec, Canada. The pluridisciplinary nature of their practice is inspired by their expertise in somatics and their knowledge and experience of contemporary dance, Argentinian tango, modern dance, ballet, contact improvisation and theatre.
Karine has performed internationally in places such as Camden’s People’s Theatre (CPT), King’s Head, ]Performance Space[, Roundhouse (London, UK); Contemporary Art Centre (Tasmania, Australia); Gézu, Monument National, Club Lambi, (Montreal, Canada); OHM (Holand) and Italia Unida, Milonga del Indio, Villa Malcolm (Buenos, Aires Argentina). The work is fuelled by an interest in creating a pluridisciplinary, collaborative, personal and authentic approach to the creation process and by a desire for social justice. Extending beyond the perceived limits of the physical, Karine’s voyage of discovery aspires to integrate aspects of movement, imagery and theatre in both creation and performance.
Karine’s creative work is inspired by the richness of human experience and engages with human rights, social inclusion and the benefits of artistic creation for people of diverse communities. Within their creative process and within their teaching methods, Karine draws on values of inclusivity, diversity and collaborative work, taking a stance against social inequalities and prejudice against marginalized people.
Mariana Marcassa
[FR] Mariana Marcassa est née dans le Brésil rural, dans une famille connectée à la terre qui fabriquait du fromage, chantait pour ses animaux et vivait dans un paysage rural tacheté d’arbres. Depuis 2017, elle vit et travaille à Tiohtià:ke/Mooniyaang/Montréal où elle développe des approches théoriques et pratiques d’explorations sonores et vocales, et la création de techniques d’écoute expérimentales. Elle est l’auteure du double livre BANZO SOUNDS et BANZO LANDSCAPE (2019) qui explore les psychogéographies de la dépression et du Banzo, une affection spécifique de la terre et de l’humain affectée par le traumatisme de l’esclavage au Brésil.
[EN] Mariana Marcassa was born in rural Brazil, in a family connected to the earth that made cheese, sang to their animals and lived on a rural tree spotted landscape. Since 2017, she lives and works in Tiohtià:ke/Mooniyaang/Montreal where she develops theoretical and practical approaches to sound and voice explorations, and the creation of experimental listening techniques. She is the author of the double book BANZO SOUNDS and BANZO LANDSCAPE (2019) which explores the psychogeographies of depression and Banzo, a specific affection of the land and human affected by the trauma of slavery in Brazil.
https://cargocollective.com/marianamarcassa/artwork
Mikki Bradshaw
[FR] Mikki Bradshaw est un-e artiste Noir-e multidisciplinaire trans FtM non binaire d’origine caribéenne et mixte. Dès son plus jeune âge, Mikki a cru que les arts lui donneraient la résilience et la créativité nécessaires pour s’épanouir malgré les traumatismes familiaux, la transphobie et le racisme, les divergences neurologiques non diagnostiquées et la dépression. Dès son plus jeune âge, Mikki a été une flamboyante incarnation de rebellion queer, écrivant et produisant de la musique, chantant en solo et avec divers groupes depuis l’âge de 4 ans. À 14 ans, Mikki a a créé une compagnie théâtrale itinérante « par les jeunes pour les jeunes » appelée Misconceptions. Plus tard, Mikki est sont devenu-e technicien-ne pour le Théâtre au Buddies In Bad Times Theatre, à Toronto, et a coréalisé un documentaire (Shine On) sur l’histoire de la scène musicale à Ottawa, en Ontario. D’abord par la musique et le son, puis par le jeu, la mise en scène et la production, et enfin par le théâtre et la performance, Mikki a appris à synthétiser et à distiller toutes ces compétences par la conception sonore, l’éclairage et le travail de la caméra. Mikki se passionne pour l’enseignement aux jeunes du pouvoir de la lumière, des mots, de l’action ou et du son, et espère inspirer d’autres personnes à trouver leur moyen d’expression et à partager leur vocation. Du livre My Grand Mothers’ Hands, de Resmaa Menaken, une citation reste gravée dans son cœur et son esprit. « …Quand vous recevez, donnez….Quand vous apprenez, enseignez. » -Maya Angelou
[EN] Mikki Bradshaw is a black FtM trans non binary & multi-disciplinary artist, of Caribbean and mixed descent. As a youngster, Mikki believed that arts gave them the resilience and creativity to thrive despite family trauma, transphobia and racism, undiagnosed neuro divergence and depression. A flamboyant queer riot act from a very young age, Mikki has been writing/producing music, singing solo & with various bands since the age of 4. At 14, they created a « By youth for youth » touring theater company called Misconceptions. They later became the mainspace technician at Buddies In Bad Times Theatre, Toronto and co-directed a documentary (Shine On), on the history of the music scene in Ottawa, Ontario. First through music and sound, further through acting, directing and producing, then through drag and performance, they learned how to synthesize and distill all of those skills through sound design, lighting design and camera work. Mikki grows a passion for teaching youngsters, light, words, action, or sound, and hopes to inspire others to find their medium and share their voice. From Our grandmother’s hands, a quote stays planted in their heart and mind. « …When you get, give….When you learn, teach. » -Maya Angelou
Saša Buccitelli
[FR] Les pratiques artistiques et les rituels de Saša explorent le pouvoir des forces d’opposition et les portails de possibilités qui se manifestent lorsque ces forces se rejoignent. À travers la poésie, la danse et la peinture, Saša explore et honore la félicité, la dévastation et les capacités génératives des états altérés de l’être ; des états d’expansion et de contraction immenses, d’expression débridée et de répression, de rage vertueuse et de honte incapacitante. Leur art cherche à mettre en lumière la façon dont les cadres culturels dominants, façonnés par le capacitisme, le capitalisme et le colonialisme, ne parviennent pas à retenir et à révérer la préciosité, la sagesse et la magie de ces états, et des personnes qui les incarnent.
[EN] Saša’s artistic practices and rituals explore the power of oppositional forces, and the portals of possibility that manifest when such forces coalesce. Through poetry, dance, and painting, saša explores and honors the bliss, devastation, and generative capacities of altered states of being; states of immense expansion and contraction, of unbridled expression and repression, of righteous rage and incapacitating shame. Their art seeks to shed light on the ways dominant cultural frameworks, shaped by ableism, capitalism and colonialism, fail to hold and revere the preciousness, wisdom and magic of such states, and the people who embody them.
Melvin Mariampillai
[FR] Je suis un ancien gestionnaire de portefeuille d’investissement, titulaire d’un diplôme de premier cycle en microbiologie et immunologie. J’ai également été toxicomane et sexomane et j’ai découvert la médiation Vipassana il y a environ 12 ans, qui est devenue l’un des outils qui m’ont aidé à travailler avec mes addictions et mon système nerveux. Au cours des deux dernières années, je suis entrée dans le monde de la danse et de la pratique du mouvement qui a remplacé la méditation assise comme mon moyen préféré d’autorégulation. Bien que la danse reste une partie relativement nouvelle de ma vie, je me sens particulièrement attirée par les formes d’art et les cultures afro-descendantes et de danse de rue telles que le break, le hip-hop, la house et la vogue. J’ai récemment rejoint le conseil d’administration du Studio 303 à Montréal, qui soutient les artistes engagés dans des pratiques critiques et expérimentales en danse et en performance interdisciplinaire. C’est un espace où j’ai participé à de nombreux ateliers au cours des deux dernières années, dont plusieurs ont contribué à modifier ma façon d’observer le monde et d’interagir avec lui. Les ateliers de danse du Studio 303 m’ont permis d’expérimenter des alternatives aux états et environnements consuméristes, hiérarchiques et sédentaires dans lesquels je me trouvais souvent. Artistiquement, je m’intéresse à l’intersection énergique et ludique du mouvement, de la sexualité et de l’argent, et à la manière dont je peux passer du statut de consommatrice de ces « produits » à celui de génératrice et de consommatrice de l’énergie que ces choses possèdent.
[EN] I am a former investment portfolio manager with an undergraduate degree in microbiology and immunology. I am also a former drug and sex addict and discovered Vipassana mediation about 12 years ago which became one of the tools that help me work with my addictions and nervous system. Over the last two years, I have entered the world of dance and movement practice which has replaced seated meditation as my preferred way to self regulate. While dance remains a relatively new part of life, I find myself particularly drawn to Afro-descendant / street-dance art forms and cultures such as break, hip-hop, house and vogue. I have also recently joined the board of Studio 303 in Montréal, which supports artists engaged in critical and experimental practices in dance and interdisciplinary performance. This is a space where I have attended numerous workshops over the last two years, several of which have contributed to shifts in the way I observe and interact with the world. The dance workshops Studio 303 have provided me with a way of experiencing alternatives to consumerist, hierarchical and sedentary states and environments I often found myself in. Artistically, I am interested in the energetic and playful intersection of movement, sexuality and money, and how I can shift from a consumer of these « products » into generating and flowing the energy that these things possess.